Geschichten
Klassische Musik kann wirklich witzig sein
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Klassische Musik kann wirklich witzig sein
Sie glauben, klassische Musik sei langweilig? Irrtum! Es hat sich herausgestellt, dass einige der größten Komponisten der Geschichte ein brillantes Gespür für Humor hatten. Hinter gepuderten Perücken und bei Kerzenschein geschriebenen Manuskripten verbargen sich fesselnde, freche Persönlichkeiten, die ihr Publikum mit abrupten Dynamikwechseln überraschten, sich über ihre eigenen Musiker lustig machten, mit unangenehmen Pausen spielten und sogar ihre Kollegen und Kritiker auf die Schippe nahmen. Werfen wir einen Blick auf den Humor. Und wenn Sie bis zum Ende kommen, erwartet Sie eine musikalische Überraschung!
Symphonische Botschaft
Nehmen wir Joseph Haydns Überraschungssymphonie. Der österreichische Komponist schrieb zwischen 1791 und 1795, zeitlich um zwei längere Aufenthalte in London herum, eine Reihe von zwölf neuen Symphonien. Die Londoner hießen Joseph Haydn als echte Berühmtheit willkommen; er war häufiger Gast bei privaten Dinnerpartys und Veranstaltungen. In der britischen Hauptstadt fand die Uraufführung der Symphonie statt. Ursprünglich trug sie den Titel Symphonie N° 94, doch der Spitzname Überraschungssymphonie wurde dem Stück vom Londoner Publikum wegen eines lauten Akkords verliehen, der am Ende des zweiten Satzes des Andante-Satzes erklingt. Ein noch treffenderer Titel wurde vom deutschen Publikum geprägt: «Mit dem Paukenschlag». Es wird bis heute spekuliert, woher dieser laute Akkord stammen könnte. Anscheinend änderte Joseph Haydn spontan die Dynamik des zweiten Satzes. Einer Erzählung zufolge hatte Joseph Haydn gerade den Aufschlag zum Beginn des zweiten Satzes gegeben, als ihn ein Schnarcher in der ersten Reihe (manche sagen, es sei ein König gewesen) störte. Er muss sich einen Plan ausgedacht haben, während das Orchester weiterspielte. Als sie den Schlussakkord erreichten, gab Haydn das Zeichen für einen gewaltigen, lauten Akkord, der den schläfrigen Zuhörer aufschreckte. Überraschung!
Er liebte es auch, in anderen Werken kleine Scherze einzubauen, wie beispielsweise in seinen früheren Quartetten aus Opus 33, die schnell den Spitznamen Gli scherzi (Die Scherze) erhielten. Das zweite Quartett geht dabei am weitesten und erhielt für seinen letzten Satz den spezifischen Spitznamen «Der Scherz», der zunächst ganz normal zu enden scheint, bis Haydn plötzlich Pausen einfügt. Es ist unklar, wo das Stück endet. Das Thema kehrt immer wieder in Bruchstücken zurück, verklingt dann aber, sodass das Publikum in Ungewissheit zurückbleibt. Kennen Sie dieses unangenehme Gefühl, nicht zu wissen, wann man klatschen soll? Genau das wollte Joseph Haydn auslösen.
Joseph Haydn war auch so etwas wie ein Gewerkschaftsvertreter. Als er im Sommer 1792 zusammen mit seinen Musikern im ländlichen Sommerpalast seines Gönners, Fürst Esterházy, weilte, fühlten diese sich eingeengt und vermisste verzweifelt ihre Frauen daheim. Anstatt also an die Tür seines Chefs zu klopfen, tat Joseph Haydn das, was jedes vernünftige Genie tun würde: Er verarbeitete das Problem in einer Symphonie, der «Abschiedssymphonie» N° 45. Im Finale blies jeder Musiker nacheinander seine Kerze aus und verließ leise die Bühne, bis nur noch zwei einsame Violinen im Dunkeln vor sich hin klagten, gespielt von Joseph Haydn und seinem Konzertmeister Luigi Tomasini. Zu seiner Ehrerettung muss man sagen, dass Fürst Esterházy die Botschaft sofort verstand, und schon am nächsten Tag packte der gesamte Hof seine Koffer. Ein ziemlicher Aufwand für ein Kündigungsschreiben – aber immerhin ein musikalischer!
Zwischen Stille und Ewigkeit
Im Jahr 1952 betrat John Cage die schalltote Kammer in Harvard (den stillsten Raum, der je gebaut wurde – so still, dass man das eigene Blut durch die Adern fließen hört) und kam mit einer Erkenntnis wieder heraus: So etwas wie Stille gibt es nicht. Was wir Stille nennen, ist lediglich Klang, den wir noch nicht kennen. Also schrieb er 4’33’’, das er trocken mit «für jedes Instrument oder jede Kombination von Instrumenten» betitelte. Es besteht aus drei Sätzen, die jeweils mit einer einzigen Anweisung gekennzeichnet sind: Tacet, lateinisch: still. Bei der Uraufführung saß der Pianist David Tudor an einem Flügel, die Stoppuhr in der Hand, öffnete und schloss den Deckel, um jeden Satz zu markieren, und spielte absolut nichts. Das Publikum hustete, scharrte mit den Füßen und tauschte Blicke aus. Genau das, so würde John Cage sagen, war die Musik. Jedes Rascheln, jedes nervöse Lachen, jedes Umgebungsrauschen der Außenwelt. All das komponiert vom Publikum selbst, ohne Probe. 4’33’’ fragt leise (sehr leise): Wer entscheidet, was als Musik gilt, und warum waren wir so sehr damit beschäftigt, den Noten zuzuhören, dass wir vergessen haben, alles andere zu hören?
Der amerikanische Komponist schuf zudem das längste Musikstück der Welt: Organ²/ASLSP mit dem Untertitel As Slow as Possible (So langsam wie möglich). Die fortlaufende Aufführung, die 2001 in der St.-Burchardi-Kirche in Halberstadt begann, soll im Jahr 2640 enden – bescheidene 639 Jahre nach dem ersten Ton. Es wird gerade gespielt, während Sie dies lesen. Der letzte Akkordwechsel fand am 5. August 2026 statt, der nächste ist für den 5. Oktober 2027 vorgesehen. Sie sind herzlich eingeladen, daran teilzunehmen und dann in drei Jahren wieder vorbeizuschauen, um den nächsten mitzuerleben. Die Wahrheit hinter diesem Stück ist ziemlich beunruhigend: Kein einzelner Mensch wird es jemals in seiner Gesamtheit hören können. Wenn man den Interpreten, das Publikum und ein ganzes Leben außer Acht lässt, bleibt nur die Musik als Konzept übrig, die geduldig vor sich hin summt – für die kommenden Generationen.
Von so lang wie möglich bis so kurz wie möglich – auch John Cage spielte in seiner Suite for Toy Piano mit Einschränkungen und komponierte Musik für ein Instrument, dessen winzige Tasten jede Vorstellung von Dynamik und Tonumfang im Grunde genommen fiktiv machen. Das Stück verlangt übertriebene Dynamik, die gar nicht erzeugt werden kann, und einige Sätze kommen mit nur fünf Tönen aus. John Cage wusste, wie man Musik im wahrsten Sinne des Wortes spielt!
Sich über das Singen lustig machen
Wolfgang Amadeus Mozart war vieles: Wunderkind, Operngenie und produktiver Komponist. Doch sein vielleicht am meisten unterschätztes Talent war, dass er ein ziemlich witziger Schelm war. Er schuf ein satirisches Stück mit dem Titel Ein musikalischer Scherz, in dem er simplistische musikalische Ideen, schlechte Orchestrierung und falsche Tonarten einbaute, um die Werke minderwertiger Komponisten zu parodieren. In einer Klaviersonate testete er die Grenzen der Flexibilität von Pianisten mit fast unmöglichen Passagen, bei denen die Arme gekreuzt werden mussten, und er schrieb für seine Freunde einen Kanon mit dem Titel «Leck mich im Arsch», der bei Dinnerpartys gesungen wurde.
Aber es kommt noch besser. Als Mozart den Auftrag erhielt, Così fan tutte zu komponieren – eine komische Oper, die bereits auf der absurden Prämisse beruhte, dass sich zwei Männer verkleiden, um die Freundinnen des jeweils anderen zu verführen –, erkannte er eine einmalige Gelegenheit, die sich direkt vor seinen Augen bot. Das Libretto stammte von Lorenzo Da Ponte (auch bekannt für Don Giovanni) und seiner Geliebten. Ariana Ferrase del Bene – die Mozart angeblich wegen ihrer Arroganz nicht mochte – war zufällig auch die Primadonna, die für die Hauptrolle engagiert worden war. Sie hatte zudem eine recht auffällige Angewohnheit: Bei tiefen Tönen senkte sie den Kopf, bei hohen Tönen neigte sie ihn nach hinten. Mozart füllte ihr Paradestück «Come scoglio» mit ständigen Sprüngen von tiefen zu hohen Tönen und von hohen zu tiefen Tönen, um Ferrarese auf der Bühne den Kopf «wie ein Huhn wippen» zu lassen. Klassische Musik war der eigentliche Vorläufer des Headbangings!
Die schlauen Piraten von Penzance
Wenn Sie eine Meisterklasse in Sachen Musikkomödie suchen, sind Die Piraten von Penzance genau das Richtige. Das legendäre Duo Sir William Schwenck Gilbert und Arthur Sullivan schrieb das Werk, das 1879 uraufgeführt wurde, und hob damit das Patter Song-Genre auf ein ganz neues Niveau. Das Stück nimmt eine absurde Anzahl von Wörtern und vertont sie in einem Tempo, das eigentlich physisch unmöglich zu singen sein müsste! Das berühmteste Beispiel, «I Am the Very Model of a Modern Major-General», rattert in atemberaubendem Tempo die militärischen Unfähigkeiten herunter. Historiker mögen sich über den Einfluss auf die moderne Rap-Musik uneinig sein, aber niemand kann leugnen, dass der Generalmajor einen echten Flow hatte!
Doch Arthur Sullivan gab sich nicht nur mit lustigen Texten zufrieden. Auch die Musik war voller Witze, die die Konventionen der großen Oper auf die Schippe nahmen. Im zweiten Akt schleicht sich eine Piratenbande unter dem Gesang von «With Cat-Like Tread» auf die Bühne, wofür Sullivan die Dynamik als Fortissimo vorgab. Es ist äußerst unterhaltsam zu beobachten, wie die Polizisten, die sie jagen, nichts davon mitbekommen. Das ist ein pointierter Seitenhieb auf die Operntradition, in der Figuren im Sinne der Handlung geflissentlich alles Hörbare ignorieren. Hinter all dem stachen Gilbert und Sullivan jedoch die Spitze gegen das britische Establishment, die Klassenstrukturen und die Arroganz der Institutionen. Während der gesamten Oper sind die Piraten ehrenhafter und warmherziger als die Polizisten. Der Generalmajor prahlt mit seinem umfangreichen Wissen über die Klassiker, Politik, Mathematik und Naturwissenschaften, gibt aber zu, dass er von militärischer Taktik oder Waffen nicht wirklich viel versteht. Also genau die Dinge, die ihm eigentlich nützlich wären, um seinen Job ordentlich zu machen!
Wenn Musik zum Katz-und-Maus-Spiel wird
Erinnert Sie sich noch an diese Sonntagvormittage, an denen Sie Tom & Jerry oder Bugs Bunny auf VHS geschaut haben? Wir ahnten damals noch nicht, dass das vielleicht unsere erste Musikstunde war! In der Ära des Stummfilms war Carl Stalling, der Komponist hinter den Looney Tunes von Warner Bros., maßgeblich für den enormen Erfolg der Zeichentrickmusik verantwortlich – er produzierte in weniger als zwei Jahrzehnten über 600 Soundtracks! Er verwob Jazz-Standards mit Volksliedern und Improvisationen, je nachdem, welches Chaos die Figuren auf dem Bildschirm anrichteten. Wie zum Beispiel das verspielte, schnelle Xylophon, das einer Figur folgt, die von einer Klippe spaziert, in der Luft der Schwerkraft trotzt, nur um dann zu bemerken, dass sie sich nicht mehr auf festem Boden befindet. Dann folgt ein absteigendes Posaunen-Glissando, gekrönt von einem donnernden Beckenschlag, während die Figur unterhalb des Fernsehbildschirms hinabstürzt.
Noch ungewöhnlicher ist ein Zeichentrickfilm, der sich voll und ganz der klassischen Musik verschreibt. What’s Opera, Doc? ist eine spielerische Neuinterpretation von Richard Wagners berühmten Musikdramen, aber auch sorgfältig konstruiert: Die Figuren ziehen durch grandiose Landschaften, begleitet von den Klängen schwerer, galoppierender Blechbläser und schwebender Streicher. Während er seinen Erzfeind Bugs Bunny jagt, verspottet der Jäger Elmer Fudd ihn zur Melodie von Wagners Walkürenritt – der Dialog zwischen den beiden wird wie ein Opernrezitativ gesungen. In die Inszenierung sind sogar visuelle Anspielungen auf die Kunstgeschichte eingewoben. Der Film reiht sich in eine lange Tradition von Looney-Tunes-Zeichentrickfilmen ein, die klassische Musik parodieren, indem berühmte Meisterwerke mit absurden Zeichentrick-Szenen kombiniert werden.
Bei Tom & Jerry tat Scott Bradley etwas noch Seltsameres: Er schmuggelte den Modernismus des 20. Jahrhunderts in einen Zeichentrickfilm über eine Katze, die die Maus nie fängt. Seine Musik stützte sich direkt auf Arnold Schönberg, Igor Strawinsky und Béla Bartók. Er setzte Atonalität (ohne Tonart oder tonales Zentrum) für Verfolgungsjagden ein, Polytonalität für verschiedene Orchestergruppen (mehr als eine Tonart gleichzeitig) und verwendete sogar die von Schönberg inspirierte Zwölftontechnik. Trotz dieser theoretischen Raffinesse passte das perfekt zum komischen Chaos der Zeichentrickfilme. Man hört zwölf Töne in schneller Abfolge, nachdem Tom eine ausgeklügelte Käsefalle für Jerry aufgestellt hat – nur um dann zu erleben, wie die Melodie umgekehrt wird, als Jerry die Falle geschickt zerlegt und ein Eimer Wasser auf Tom fällt. Schönberg hätte das gutgeheißen. In gewisser Weise lernten Millionen von Kindern dank Tom & Jerry, den Unterschied zwischen Konsonanz und Dissonanz, zwischen Auflösung und Suspension zu spüren!
Das ist das Schöne und das Tiefgründige an der klassischen Musik: Sie kann so viele verschiedene Emotionen wecken, und Humor und Spaß sind dabei keineswegs tabu. Wenn Ihnen also das nächste Mal jemand erzählt, klassische Musik sei spießig, schicken Sie ihn einfach in dieses Kaninchenloch. Von Joseph Haydn, der einen schnarchenden König auf den Arm nimmt, bis hin zu Kindern, die Schönberg mithilfe einer Zeichentrickkatze entdecken – die größten Komponisten lehren uns, dass Musik durch ein gutes Lachen erst richtig zum Leben erwacht.
