«Ich versuche, offen zu bleiben für alle Arten von Einflüssen und Ideen, egal woher sie kommen.» Mit dieser einfachen, aber sehr erfrischenden Aussage gibt Michael Wollny den Ton vor. Der charismatische deutsche Pianist, ein langjähriger Partner der Philharmonie und Artist in focus der Saison 2025/26, ist fest in der Welt des Jazz verwurzelt. Doch seit nunmehr über 20 Jahren erweitert er dieses Bild stetig durch Ad-hoc-Kollaborationen oder mit seinem preisgekrönten Trio um zusätzliche Farben, indem er sich eine erstaunliche Vielfalt musikalischer Traditionen von Klassik über Pop bis hin zu alter Musik aneignet – und sie dann transformiert. Die Einleitung zu seinem wegweisenden Album «Weltentraum» aus dem Jahr 2014 gibt einen aufschlussreichen Einblick in seinen gesamten kreativen Prozess: «Ich war auf der Suche nach Melodien, die mich berühren, die zu mir sprechen.» Diese Schatzsuche führte ihn vom Frankreich des 14. Jahrhunderts, von Guillaume de Machaut, über üppige romantische Ausdrucksformen bis zu Alban Bergs Zwölftonmusik. Dabei scheint Wollny nicht einfach nur musikalische Vielfalt um der Vielfalt willen anzustreben: Diese Motive werden nicht nur zitiert oder paraphrasiert, sondern als Grundlage für Komposition und Improvisation genutzt. In einem Interview mit der deutschen Tageszeitung Der Tagesspiegel aus dem Jahr 2018 verdeutlicht Wollny diesen Aspekt seines Schaffens und beschreibt sich selbst als Sammler und Handwerker: «Man muss. . . Stücke von anderen analysieren. Aus ihnen baue ich Tonvorräte, die ich dann mit den verschiedensten Fingersätzen und Voicings übe. Es geht darum, mich mit Themen zu umgeben, die vielleicht einen Funken auslösen». So ist Michael Wollnys «Genre-Hopping» eher vom Zufall der Entdeckung getragen als von strenger Regelhaftigkeit.

Manchmal erfüllen sich Kindheitsträume – zum Beispiel für Timothy Brock: «Seit ich zehn war, habe ich meiner Mutter immer wieder gesagt, dass ich später einmal Musik für Stummfilme schreiben möchte», schreibt er. Der amerikanische Komponist und Dirigent hat seine Berufung und seine Nische tatsächlich schon früh gefunden und sich in den letzten dreißig Jahren als Bewahrer eines ganz besonderen Moments der Musikgeschichte etabliert: der Filmmusik des frühen 20. Jahrhunderts. Ein fragiles Erbe, das Pflege, Restaurierung und manchmal auch Neuschöpfung erfordert – und unzählige Möglichkeiten bietet, genreübergreifend zu arbeiten. Im Rahmen seiner 14-jährigen Tätigkeit für den Nachlass der Familie Chaplin zwischen 1998 und 2012 rekonstruierte Brock insbesondere Charlie Chaplins Originalpartitur für Modern Times (1936) – eine explosive Mischung aus Orchestermusik, Jazz und Music-Hall-Melodien. Er verband sich auch mit dem Geist von Dmitri Schostakowitsch, als er New Babylon rettete, ein sowjetisches Drama aus dem Jahr 1929, das während der Pariser Kommune spielt und dessen eher klassischer Soundtrack frei aus der Marseillaise und Offenbachs berühmt-berüchtigtem Can-Can zitiert… Wenn er nicht gerade mit Komponisten aus dem Jenseits zusammenarbeitet, schreibt und dirigiert Timothy Brock selbst. Im Januar feierte die Philharmonie das 20-jährige Jubiläum seiner Originalpartitur für Ernst Lubitschs Lady Windermere's Fan aus dem Jahr 1925 – ein Projekt, das Brock rückblickend als «Gelegenheit, [seine] erste Liebe und tiefsten Wurzeln zu offenbaren» analysiert, nämlich die klassische Orchestermusik. Ein Jahr zuvor hatte er sich an der amerikanischen Folk-Tradition bedient, um Buster Keatons The General zu begleiten, während er für Foolish Wives «eine Handvoll kurzer Klavierstücke des eher unbekannten russischen Komponisten Sergei Ljapunow (1859–1924) verwendete».

Nach Brocks eigenen Worten liegt das Geheimnis seiner Fähigkeit, so radikal unterschiedliche musikalische Ideen aufzunehmen und zu verarbeiten, einfach in der Stille, in der Interaktion mit dem Filmmaterial ohne zusätzliche Geräusche, Effekte oder andere Störungen. «Ich habe auch einige Soundtracks für moderne Filme geschrieben», fügt er in einem Blogbeitrag hinzu, «aber ich fühle mich viel wohler mit Stummfilmen: Dort kann ich wirklich mit mehr Freiheit kreativ sein und einen kohärenten Diskurs aufbauen, ohne zu viele Faktoren außerhalb der Musik berücksichtigen zu müssen.» Timothy Brock, der im Herzen ein synästhetischer Mensch ist, schöpft, indem er auf die Bilder reagiert, die sich auf der Leinwand entfalten – was ihn nicht nur zu einem Brückenbauer zwischen Vergangenheit und Gegenwart oder, wie oben beschrieben, zwischen verschiedenen Musiktraditionen macht, sondern auch zwischen zwei Kunstformen: Musik und bildender Kunst.

Die französisch-syrische Flötistin Naïssam Jalal, die 2026 in der Philharmonie ihr Debüt geben wird, wurde zunächst in der westlichen Tradition ausgebildet, bevor sie in Damaskus, Kairo und Beirut orientalische Musik studierte. «Ich bin von vielen musikalischen Sprachen beeinflusst», erzählt sie What The France im Jahr 2021. Schon früh in ihrer Karriere zeigte sie ihr Interesse an Crossover-Projekten. Ihre ersten beiden Alben, die sie mit ihrer Band Rhythms of Resistance aufgenommen und 2015/16 veröffentlicht hat, präsentierten bereits eine unverwechselbare Mischung aus Einflüssen des Nahen Ostens und des zeitgenössischen Jazz. Anschließend beschäftigte sie sich ad hoc mit eher «urbanen» Kunstformen wie Hip-Hop und Rap und kehrte für das Projekt «Un Autre Monde» sogar zur klassischen Musik zurück, was sie dazu veranlasste, zum ersten Mal für ein Symphonieorchester zu komponieren.

Die Vorliebe für verschiedene Musikstile und Genres sollte als Ausdruck oder vielmehr als Folge von Jalals interkultureller Sensibilität verstanden werden, die interessanterweise weit über ihr doppeltes kulturelles Erbe hinausgeht. Im Jahr 2024 reiste sie nach Indien – ein Land und eine Kultur, zu denen sie keine persönliche, direkte Verbindung hat –, wo sie sich mit traditionellen indischen Instrumenten vertraut machte und mit lokalen Musikern zusammenarbeitete. Das Projekt «Landscapes of Eternity», das sie 2026 in die Philharmonie bringt, ist das Ergebnis dieser intensiven Begegnung. Als weitere wichtige Einflüsse nennt sie Mandigue und westafrikanische Musik – was nicht verwundert, wenn man bedenkt, dass sie als 17-Jährige, frisch aus dem Joch des Pariser Konservatoriums befreit, durch Mali tourte. Für Naïssam Jalal geht es beim Reisen nicht so sehr darum, zu beobachten, zu konsumieren oder gar Erfahrungen und Ideen zu sammeln: Es geht darum, eine neue Kultur in das Herz ihrer Identität aufzunehmen und sich als Künstlerin davon prägen zu lassen.

Trotz all ihrer kulturellen und geografischen Erkundungen bleibt Jalal in Bezug auf ihren Stil auffallend konsequent. Ihr Instrument, die Quelle ihrer musikalischen Praxis, ist auch das verbindende Element hinter ihren zahlreichen Projekten. Es verleiht ihr eine unverwechselbare klangliche Identität und ermöglicht es ihr, eine erkennbar akustische und kontemplative Stimme zu entwickeln, die sich in all ihren Werken wiederfindet. Ihr neuestes Album, «Souffles» (2025), ist eine liebevolle Hommage an die Flöte und an die einzigartige Art und Weise, wie sie sich selbst darin geschult hat, ihre Stimme mit ihr zu verschmelzen, sodass das Instrument zu einer virtuellen Erweiterung ihres innersten Selbst wird. «Meine Musik ist die treibende Kraft», sagte sie 2023 gegenüber der Markaz Review in Los Angeles, «sie hält mich auf den Beinen und ermöglicht es mir, voranzukommen, zu träumen, zu begehren… Meine Musik lässt mich sagen, was ich mit Worten nicht ausdrücken kann.»